ジェームズ・ホーナー、死去 



ジェームズ・ホーナーが亡くなった。

彼の作品を初めて聞いたのは、『銀河伝説クルール』(83)が最初。
民放AM局の映画紹介番組で、スコアの一部が流れており、それを聴いて「カッチョエエ~~~!!」と(笑)
けっきょく、映画は劇場で観ることはかなわなかったけれど、当時ビクターからリリースされていた日本版LPレコードは購入して、何度も聴いていたものだった。

当時、日本版「スターログ」誌上にて、門倉純一氏によるサントラ・レビュー記事でホーナーが手がけた『スタートレック2 カーンの逆襲』『宇宙の7人』の凄さを知ってはいたが(あ、個人的に映画音楽の心の師匠は関光夫氏と門倉純一氏なのです)、前者はクラスメートにやたら『スタートレック』をべた褒めする奴(しかも『スターウォーズ』は「非倫理的だ」とけなすけなす・(笑))の影響で、3作目が公開されるまでノータッチだったし、後者は映画そのものを観る機会もなかったので、かなり後年になるまでスコアも聴く機会がなかった。


実際、映画館でホーナーのスコアに触れたのは『ブレインストーム』(83)が最初だ。
荘厳なコーラスに始まり、それを打ち消すかのような強烈なパーカッション。
それに続く、シューベルトの「ます」を思わせる流麗なスコアと、それまで好んで聴いていたジョン・ウィリアムズやジェリー・ゴールドスミスの流れを汲む作曲家というイメージはあったけれど、『ブレインストーム』のスコアは、それらとは一味違う! と思ったものだ。
また、エンディングもクレッシェンドで壮大に終わるのではなく、静かに静かに締めくくるというスタイルは、個人的には欲求不満(最近のジアッキーノもそんな感じやね)ではあったが、それも彼のオリジナリティと捉えたものだ。


その後、ヒット作にはホーナーの名前がクレジットされ、いわゆる売れっ子作曲家となったわけだが、映画自体は面白かったけれど、音楽的に不満が多かった『エイリアン2』(86)あたりから、クラシックからの引用、自作の引用が目立ってきたような感じで、それを否定的に捉える声も多くなってきたように思う。

それほどクラシックに精通しているわけではないが、『エイリアン2』の冒頭はハチャトゥリアンの「ガイーヌ」の引用ってのは、僕のような者でも判る。
お気に入りで聴いていた『ウィロー』(88)だって、シューマンの「ライン」の引用だというのも後年知った。
「ライン」そのものを聴いたことがなかったので、いつだったかCDショップで「ライン」が流れていて、「え? 『ウィロー』?」って思ったものだった。

そして、自作の引用という点では、お馴染みのフレーズ「♪タラララ~♪(楽譜に書けないけど、判る方は判るだろう。昔、僕の番組でも取り上げたことがあった)」が必ず出てくるし、他にもよく似た一節を「あ、またやってるよ・・・」と、思わず失笑してしまうくらいに惜しげもなくやってしまうのも、ホーナーの特徴(?)だった。
まぁ、これは僕としてはホーナーなりの自作への「みとめ印」代わりだったんじゃないかな、と思う。
意識してやったか定かじゃないが、あのフレーズを入れないと、俺のスコアじゃない! みたいな感覚があったんじゃないだろうか。


そんな長所も短所もひっくるめて、現代のハリウッドの映画音楽界の第一人者だったことは間違いのないジェームズ・ホーナー。
97年の『タイタニック』では見事、作曲賞と歌曲賞でダブル・オスカーに輝いたのも有名な話だ。


また、思わぬところで、日本でも大ヒットとなったダイアナ・ロスが歌う「イフ・ウィ・ホールド・オン・トゥゲザー」。
僕自身は、あのTVドラマでこのナンバーが使われていることをまったく知らなかったので、当時、都内のあちこちでやたらとこのナンバーが流れていて、
「なんで、『謎の恐竜大陸 リトルフットの冒険』(89)なの???」
と不思議に思ったものだった。

TBS系のドラマ『想い出にかわるまで』(90)の存在を知ったのは、なんと最終回の放映日(笑)
TVからあのナンバーが流れてくるのを聴いて、さらに不思議な感覚だったことを覚えている。
(TBSはそのヒットに気をよくしたのか、その後も『芸能社会』(90)というドラマの主題歌にホーナーの『アメリカ物語』(86)の主題歌、「サムウェア・アウトゼア」を日本語訳詞したナンバーを小林明子が唄った「こころの炎」を使ったけれど、さほどヒットしなかったように思う)


ハンス・ヅィマー一派が台頭している近年、彼の活躍の場も徐々に狭められているような印象があるが、それでも盟友ジェームズ・キャメロンの『アバター』や、それこそ彼が起用されること自体がアメイジングだった『アメイジング・スパイダーマン』といった作品で、自身の存在を強烈にアピールしていたものだった。


個人的に彼の作品でお気に入りを挙げるとするならば、

『ブレインストーム』(83)
『銀河伝説クルール』(83)
『コクーン』(85)
『薔薇の名前』(86)
『フィールド・オブ・ドリームス』(89)
『グローリー』(89)
『ブレイブハート』(95)


あたりになるか。

もちろん、『タイタニック』や『アバター』もいいが、最近(でもないか)では、フィギュアの村上佳菜子選手が初期の頃、演技でよく使用していた『マスク・オブ・ゾロ』がお気に入り。

やはり80年代が彼の黄金期だったように思うし、僕自身が東京で暮らしていた頃にリンクするのは、それだけ映画にふれる機会が多かったということにもつながるのかもしれない。


そして、個人的にベスト1に推したいのは91年の『ロケッティア』だ。

余談だが、先日『トゥモローランド』を観ていて、ふとこの作品を思い出した(映画をご覧になった方は、何を指しているのかお判りかと思う)のである。
あの空中を飛ぶ爽快感は、『ロケッティア』を観た時と同じ印象を受けたもので、ジアッキーノのスコアもホーナーの流れを汲むシンフォニックなものだったし、なおさらだ。

それはともかく、個人的にはこの『ロケッティア』のスコアはけっこうお気に入りだったし、映画そのものも大満足な一本だった。
そして、公開された直後あたりに、ジョン・マウチェリー指揮、ハリウッドボウル・オーケストラの日本公演があって、その際のアンコール演奏が、なんと『ロケッティア』の「エンドタイトル」だったのである。

これには心底驚いたし、飛び上がるほど嬉しかったものだ。
まさかライヴで聴けるとは!

ピアノのイントロが始まった時には、感激のあまり涙したくらい。
しかも一般の聴衆の中で、たとえそれが映画音楽中心のコンサートだったとしても、「この曲は何なんだ?」を思った方も少なくなかったことだろう。
しかもこのスコアは、ホーナーお得意(?)の静かに終わる曲ではなく、クレッシェンドで締めくくるというパターンでもあり、個人的にもお気に入りのスコアだったので、一瞬、これは夢ではないだろうか? とも思ったものだ。
その時の印象が強かったので、よけいに『ロケッティア』の「エンドタイトル」はお気に入りの一曲になったのである。


聞けば、ホーナー自身も飛行機が好きで、今回の惨事も彼自身が操縦するジェット機が墜落したことによるものだった。

フライト中、彼の脳裏には何のメロディが流れていたのだろう?
新作のものだったのか、それとも作曲し終えた作品だったのか。
僕としては、『ロケッティア』の一節が流れていたと信じたい。

残念ながら、惨事は覆すことはできないが、ホーナー自身は永遠にフライトを続けていることだろう。
そして、彼が残した数々の旋律は、今後もいろんな形で我々の耳に響くに違いない。

合掌。






♪『ココ・アヴァン・シャネル』♪(サントラ) 


ココアヴァンシャネル
ココ・シャネルの黎明期を、彼女のパトロンとなった二人の男性とのロマンスを中心に描いた伝記映画のサントラ。
音楽は『ベンジャミン・バトン 数奇な人生』(08)のアレクサンドル・デプラ。

とにかく、本編が伝記映画というよりも、ラヴ・ストーリーの色濃い作品であり、デプラのスコアもロマンティシズムにあふれる内容になっています。
個人的にデプラのスコアに最初に出会ったのは、ブルース・ウィリス主演のサスペンス・アクションの佳作『ホステージ』(05)で、そのアドレナリン飛び散るがごときスリリングなメンテーマにKOされてしまったわけですが、後に『ライラの冒険 黄金の羅針盤』(07)のようなビッグバジェット作品もあるものの、そのフィルモグラフィーを眺めてみれば、ラヴ・ロマンスであったり人間ドラマが多かったりするんですよね。

そんなわけで、デプラの取っ掛かりがいわゆる派手な作品だったので、その後に聴いた、彼の出世作として挙げられる『真珠の首飾りの少女』(03)の流麗かつドラマティックなスコアで、またまたKOされてしまったわけです。

かように、スリリングなスコア、ロマンティックなスコア、あらゆるジャンルをこなす作曲家としての実力は、『クィーン』(06)でのアカデミー賞初ノミネート以来、同賞の常連になっているところを見ても明らかであり、件の『ベンジャミン・バトン~』のスコアにおいても同賞にノミネートされており、個人的な意見としてはインドのあの方よりも、デプラにオスカーがもたらされることを強く信じていただけに、あの結果には強い違和感を抱いたものでした。

それはともかくとして、本作のスコアは、先にも書いたように全編にロマンティシズムあふれる味わい深い仕上がりになっており、とりわけココと彼女が愛するボーイとの場面を彩る「ココとボーイ」は、デプラの作品では個人的にお気に入りである『ラスト、コーション』(07)のテーマに通じる魅力を湛えたスコアで、ここにデプラ節ともいえるひとつのスタイルを感じ取ることができます。
ココのデザイナーとしての活躍を描く本編のラストシークエンスを、流麗なワルツ曲「メゾン・シャネル」で飾るなど、若き日のヒロインだけでなく、世界に名をとどろかせたそのキャラクターを音楽で表現することを忘れずに、最後を締めるという、デプラの職人技をも堪能できます。

ココとその姉が歌うポピュラー・ソング「ココを見かけたのはどなた?」(唄うは両者を演じたオドレイ・トトゥとマリー・ジラン)を巻末に収録。
サントラとしてのまとまりにも長けた一枚となっているのが、映画音楽ファンとしては嬉しいところ。

【採点:100点中80点】




※昨年は『おくりびと』と共に愛聴盤でありました。メインテーマの旋律の美しいことよ。


※これもいいスコアですよ。


※デプラによるスリリングなアクション・スコアなら、これ!!



♪『カムイ外伝』♪(サントラ) 


カムイガイデン
『レッドクリフ』があれだけヒットしたのは、ジョン・ウーの演出や多彩な出演者の魅力もさることながら、岩代太郎によるスコアによるところも大きかったんじゃないかと思います。
なにしろ、僕が映画を観に行った劇場にて、上映を待つ休憩時間に隣に座った老夫婦が

♪タ、タ、タ、タラ~ララ~♪

と件のメインテーマの旋律をくちずさむという、久しくそんな体験などなかった僕としては映画音楽ファンゆえの喜びと、それほど一般に浸透したスコアを書いた岩代太郎という作曲家の偉業に、ただただ打ち震えたのでありました。

さて、白土三平の原作を崔洋一監督が映画化した『カムイ外伝』は、『レッドクリフ』を筆頭に、本年だけでも『真夏のオリオン』、『火天の城』と担当作品が続く岩代太郎の最新作。

本作で岩代太郎が目指したのは「無国籍感漂う流浪人と土の匂い(劇場パンフレットより)」とのこと。
『火天の城』においても、記憶は定かではありませんがパンフルートのような音色も流れていたことを考えると、日本の時代劇に異国の音色を流すという一見(一聴か)ミスマッチな取り合わせでありながら、抜群の効果をあげているのは映画をご覧になった方なら納得いくものと思います。
奇しくも、同時期に公開されている『BALLAD 名もなき恋のうた』における佐藤直紀のスコアも、メロディこそジャパネスク・ムードあふれるものでありつつ、それを奏でるのは異国の楽器という共通点を見るに、時代劇というある種ファンタジックな世界を表現する手法としての無国籍感というのは、もはやスタンダードになっているのかもしれませんね。
そのなかで、個々の作曲家がどれだけ個性を発揮できるか、というところが映画音楽ファンとしての興味深い部分なのであります。

アクション映画のカテゴリーにありながら、岩代太郎のスコアはおおむね抒情的な旋律で構成。
パーカッシヴなスコアでアクション・シーンをサポートするという場面もありながらも、その印象は極めて薄く、作曲家自身の言葉で言うならば「無国籍感漂う抒情詩」の印象の方が濃厚な仕上がり。
主人公カムイのテーマとして明確な旋律が書かれており、それがアレンジを伴ってあらゆるスコアのなかで息づいていて、そのある種悲壮感を伴った物悲しい調べは、主人公のみならず登場人物それぞれが背負った「業」までをも見事に表現しています。
とりわけその旋律を主体とした「Sacrifice」というスコアは、バンドネオンの第一人者小松亮太の華麗なプレイがフィーチャーされた名曲で、これが『カムイ外伝』のスコアだと聞かされてなければ、イタリア映画かなにかの音楽に思えるほど無国籍感濃厚な一曲(ちなみにこのスコアは小松亮太の最新アルバム『紺碧~昭和タンゴ・プレイバック』にも収録)。
また、「Midnight Sun」のような、TVの紀行番組に流れてきそうなジャパネスクな旋律もあって、ここでも岩代太郎の多才ぶりが発揮されています。

惜しむらくは、かようなスコアが流れていながらも、また出演者個々の名演が光っていながらも、それを表現する映像自体が力不足であり、相乗効果にまで至らなかったのはつくづく残念なことであり、映画はそれを構成する要素が一つでも力不足だとすべての完成度にまで大きく影響してくる総合芸術であることを、この素晴らしいスコアを聴くたびに痛感する次第です。

カムイガイデンアライブ
また、本作においてもエンドクレジットではスコアが流れるのではなく、ヴォーカルナンバーが締めくくるというスタイル。
ただし、倖田來未が歌う本作の主題歌「Alive」は、ヘンデルのアリア「私を泣かせてください」に、倖田來未自らが詩を書き、岩代太郎がアレンジを施した佳曲。
このヘンデルを使うというアイデアは崔洋一監督の要請だったとのこと。全編のスコアに溶け合うような岩代太郎のアレンジと、CD会社の関係という下世話な見方はともかく、倖田來未のヴォーカルが見事にマッチして、この殺伐とした物語を締めくくるにふさわしい、溜飲の下がるナンバーに仕上っていました。

なお、倖田來未によるナンバーはサントラに収録されていますし、劇場パンフレット・CD付版(¥1200)には、主題歌1曲のみ収録されたCDがオマケで付いています。

【採点:100点中80点】


※主題歌も収録されているのは嬉しいですよね。


※バンドネオンの第一人者、小松亮太の最新アルバム。



♪『BALLAD 名もなき恋のうた』♪(サントラ) 


バラッドナモナキコイノウタ

『映画版クレヨンしんちゃん 嵐を呼ぶアッパレ!戦国大合戦』(02)を原作に、『ALWAYS 三丁目の夕日』(05)の山崎貴監督が実写映画化した作品のサウンドトラック。スコア担当は佐藤直紀。

『K-20 怪人二十面相・伝』、『ジェネラル・ルージュの凱旋』、『おっぱいバレー』、『ハゲタカ』と最近での精力的な活躍をみるに、彼に対する絶大な信頼のほどがうかがい知ることができるというものですが、映画をサポートすることはもとより、毎回明確なメロディを伴ったスコアを聴かせるというそのスタンスは、簡単そうに見えてけっこう難しかろうと思います。
いみじくも佐藤氏自身が本作の劇場パンフレットに寄せたコメントに、
「直球ストライクの音楽を作るのって結構恥ずかしくて勇気がいるんです。才能はいらないけど(劇場パンフレットより)」
とあるのが興味深いところ。まぁ、佐藤氏はいつも控えめなコメントを書かれるのですけどね(笑)

日本映画のみならず、たとえばここ最近のハリウッド作品におけるスコアを聴くにつけ、往年のような心に残る、あるいは耳に残るスコアが激減している現象をみるに、作曲家にスコアを要請する映像クリエイター側の「映画音楽」に対する考え方にも大きな変化が生じていることは明確。
作曲家はいわば裏方なのであり、映画をサポートする役割を全うすればよいのであって、それ以上差し出がましい位置にいずともよい。
とはいえ、ほんの1フレーズだけでも耳に残るスコアを聴かせてくれるだけで、映画そのものに対する印象も大きく変わってくるように思うのは別に映画音楽ファンの僕だけではないでしょう。

ビジネスと割り切って映画にスコアを提供する作曲家(それが作曲家個々のスタンスではなく、そういう製作システムにしてしまった業界に問題があるのですが)も多い中で、自身の言葉を借りれば敢えて「恥を忍んで」直球ストライクなスコアを投げてくる佐藤氏は、これまた自身の言葉を借りれば「勇気の人」なのであり、やはりこういう方がいなくちゃいけないんだ、と今回のスコアを聴いてあらためて実感した次第。

さて今回のスコアですが、映画の内容から昨年の『隠し砦の三悪人 THE LAST PRINCESS』(08)のようなスケール感漂うスコアを繰り出してくるかと思いきや、メインテーマの旋律のかくもエモーショナルな響きの美しきことよ。
戦国時代を舞台にしているとはいえ、物語の本質は井尻又兵衛と廉姫とのラブ・ストーリーであり、物語を彩るスコアも正攻法でもってこの身分を越えた愛を讃えています。
ジャパネスク・ムード漂うメインテーマを全編に散りばめつつ、それを奏でるのが二胡にティン・ホイッスル(件の劇場パンフレットによれば、バグパイプにアフリカの民族楽器も使っているそうな)という、片やオリエンタル、片やケルティックとじつにワールドワイドな仕掛けが施してあるのがなんともユニーク。
「愛は世界を越える」という表現は直球ストライクかもしれませんが(笑)、それを納得させてしまう佐藤氏の紡ぎだすスコアに思わず聴き惚れてしまうことしきり。合戦シーンにおけるバーバリズムを伴うスコアもきっちり聴かせてくれるという部分においても期待通りのスコアを聴かせてくれます。
ただ、毎回聴いて思うのですが、今回も「あ、どこかで聴いたようなフレーズ・・・」という印象も無きにしもあらず。
それも佐藤直紀スタイルだ! と許してしまえるだけの魅力があるんですよね。

惜しむらくは映画自体が「生真面目」なカラーが濃厚であり、スコアもそれに沿った仕上がりになっていること。
そんな中でも、作曲期間の制約もあったことでしょうが、演奏する楽器に「遊びごころ」を忍ばせることで作曲家としてのアイデンティティを守っているところがプロとしての姿勢を感じます。
最近の日本映画における習慣とでもいうべきか、本作においてもエンドクレジットにソング・ナンバーが流れるというパターン。これだけのスコアを書く佐藤氏ですから、ぜひ彼が音楽を担当した作品で、エンドクレジットにおいてもソング・ナンバーではなく氏によるスコアを存分に堪能してみたいものです。
それを考えれば、まだまだ佐藤氏の担当する映画音楽には興味が尽きません。

バラッドナモナキコイノウタアラン1

さて、そのソング・ナンバーを唄うのは、『レッド・クリフ』の主題歌がまだ記憶に新しい中国出身のシンガー、alan。
当然のことながら、『レッド・クリフ』のイメージどおり(なんでも山崎監督が彼女を指名したとか)、本作においてもスケール感漂う壮大なラヴ・バラードに仕上っています。

ただ、『レッド・クリフ』の場合はスコアを担当した岩代太郎氏がソング・ナンバーをも作曲するということで、スコアと主題歌に統一感がありました。が、今回はソング・ナンバーは佐藤直紀氏の手によるものではなく、まったくのオリジナル。
alanのヴォーカルそのものは素晴らしい(それに加えてとびっきりの美人!)のですが、映画音楽として聴いた時にスコアとの統一感がないのは、映画音楽ファンとしては残念なのであります。

なお、サントラにはalanの唄うヴォーカル・ナンバーは収録されていません。


【採点:100点中75点】


※映画を気に入った方はぜひ!


※alanによる主題歌。
こちらはDVD付きなので、ヴォーカルとともにびゅ~ちふるな姿を堪能したい方に。



※こちらは主題歌の通常盤CD。
個人的にはこちらのジャケ写のほうがお気に入りです。



※佐藤直紀氏といえば、やはりこれが代表作でしょう。
メインテーマもさることながら、さまざまなテーマの組み合わせの妙が堪能できる好スコア。



※最近のお気に入りはコチラ。
ハリウッドライズされたスタイルのなかにもオリジナリティが感じられ、映画もこのスコアに助けられていた感があります。



※じつは佐藤直紀作品のなかでもっとも好きなのがコチラ。
壮大なスコアでも大編成のオーケストラでもないところに、作曲家としての実力が実感できます。